Julio Gonzalez "Dafne"

Julio González, el que pinta en el aire con hierro, se podría decir que la influencia que recibió de Picasso le impulso a llevar el cubismo a una nueva forma, en tres dimensiones, posibilitando que pueda ser admirada desde varios ángulos.

Usaba el hierro para sus esculturas un material difícil de moldear si lo comparamos con la arcilla, pero también usado por otros artistas como Gaudi.  “El material moderno al que recurrió González es el hierro, a restos de chatarra inespecíficos, restos industriales, que debidamente trabajados y ensamblados muestran un aspecto inédito e insospechadas a su escultura.” (Maderuelo, 2012, p 71)

La obra que me gustaría comentar es “Dafne”, una referencia a la antigua escultura clásica de Bernini “Apolo y Dafne”. La historia cuenta que Apolo se enamoró locamente de la ninfa Dafne, y esta debido a una flecha de rechazo de Cupido echó a correr, ella suplico a Zeus que la ayudase, Zeus se apiadó de ella y la convirtió en un árbol de laurel.

En esta obra vemos como Julio González plasma la figura de Dafne inclinada como en la obra de Bernini, pues recrea el momento en el que pasa de ser una mujer a un árbol.

Podemos ver como sus piernas se convierten en un tronco robusto, y como sus manos y dedos se empiezan a extender como si fuesen ramas que alaban a Zeus por apiadarse de ella, haciendo que las manos sean objeto principal de observación pues es donde mejor se aprecia la transformación.

La cabeza está en la parte superior, representado como un circulo y el pelo por separado simulando que el viento lo hondea, al parecer, tanto la cabeza como el pelo se están transformando en ramas, algo que difiere de lo que vemos en la obra de Bernini, quien lo representa de una forma más bella, pero como ya se suponer, los artistas del siglo XX no pretenden mostrar algo bonito, sino algo sincero.

La rigidez que presenta la figura con unos vértices cubistas tan pronunciados nos recuerda a la rigidez de un árbol. Este es el reto de Julio González, no solo esculpir una figura en hierro, sino que con su forma nos dé una idea de su textura o su significado

Bibliografía

Javier Maderuelo,  Caminos de la escultura contemporánea, (2012) Ediciones universidad de Salamanca.

VV.AA, Mitología dioses héroes y leyendas, (2006) Santander ,editorial Libsa

Fuentes online

museo reina sofia, colección, Julio González, Dafne. Fecha de consulta 27/ 3/ 2017.  http://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/daphne-dafne

Salvador Dalí "La persistencia de la memoria"

Salvador Dalí es el máximo representante de la pintura surrealista en España. Nace en Figueres, Girona, su padre era notario y su hermana, Ana María fue la modelo de sus primeras obras. Al ver el talento de su hijo en la pintura, su padre le matricula en la Escuela de Bellas Artes de Madrid. Mientras estudia le irán influyendo figuras como Luis Buñuel y Federico García Lorca, su inicio en el surrealismo.

La obra que quiero comentar es probablemente de las más conocidas de Dalí, “La persistencia de la memoria”. Fue pintado en 1931, es un óleo sobre lienzo de tamaño 24,1 x 33 cm, actualmente se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Formalmente, observamos que los protagonistas del cuadro son los relojes, los tres formando un triángulo, los cuales parecen estar derretidos ,“Dalí tuvo la idea de pintarlos después de comer  un queso camembert que se fundía y de reflexionar sobre la memoria y el paso del tiempo” (VV.AA Catalogo de la exposición. La Caixa .2004. p).

Los relojes están dispersos, uno encima de una rama, como si se trata se de una manta puesta a tender; el segundo esta encima de la mesa, con una mosca encima, tal vez en el que se refleja el queso camembert que Dalí comió; y , el tercero esta encima de una criatura con forma de cara aunque desfigurada.

Según el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la criatura que se encuentra en el centro de la imagen es el propio Dali de perfil, pero con un aspecto parecido al de un caracol, pues de su nariz sale una especie de lengua que parece una babosa grande.

En cuanto al título, si miro hace alusión a la memoria en un cuadro donde los elementos principales son los relojes, “La memoria persiste contra la marcha de las agujas del reloj” (Perez. 2003, p 157), con esto nos dice que  nuestra capacidad para recordar supera incluso al tiempo, un recuerdo va más allá y perdura en nuestra mente ilimitadamente.

Según E. H. Gombrich,(1997, p 594) Dalí no intenta representar las imágenes tal y como las vemos, como muchos de sus contemporáneos, busca su propia forma de mirar, representando en este cuadro una reflexión, no quiere que digamos “que bonito”, quiere que nos sentemos a buscar su enigma, el mismo enigma de un sueño o un pensamiento.

bibliografia

Javier Perez Andujar . Salvador Dalí: a la conquista de lo irracional. (2003) Madrid, Aldaga.

E.H. Gombrich.  La Historia del arte. (1997),España,  Phaidon.

Dalí 1904 – 2004 (2004), Madrid, Catalogo de la exposición. La Caixa.

Fuentes Online

 Museum of modern arts .Collection: The persistence of the memory. Consultado el 26 /3 /2017, https://www.moma.org/collection/works/79018?locale=es

Fundación Gala. Dalí. Biografía. Consultado  26/ 03/ 2017.

https://www.salvador-dali.org/es/dali/bio-dali/

Pablo Ruiz Picasso, "Mujer con Niño enfermo"

Picasso es uno de los artistas contemporáneos más reconocidos de España y del mundo, en España su obra más conocida es el Guernica, pero piense que hay una época de la que no se habla mucho, la época rosa.

A partir de 1904 se produjo varios cambios en la vida de Picasso,  en sus cuadro empezó a notarse una gama de colores más cálida, pero suave, esto es lo que se conoce como época rosa, " en los cuadros de Picasso empezaron a aparecer nuevos tonos cromáticos, un Rosa suave, tonos rojos cálidos y otros colores claros" (Buchholz ,2000, p 27).

Picasso pinta “Madre con niño enfermo” o “Desamparados” (Según el Museo Picasso de Barcelona) en 1903, está pintado con la técnica pastel sobre papel. El cuadro mide 47,5 x 41 cm y se encuentra en el Museo Picasso, en Barcelona. Por el año , los colores y el tema, deduzco que es la transición de la época azul a la época rosa.

La madre y el niño son las figuras principales, “Si se piensa bien, hay muy pocos temas. Y estos se repiten constantemente. De Venus a Cupido se hacen la Virgen y el Niño, de la Vergel y el Niño, se hacen de la madre y el hijo." -Picasso.  (Walter,2006 p 20). 

La madre mantiene una mirada con el espectador, dicha mirada está cargada de sentimiento pues sus ojos relejan su impotencia para curar a su hijo, la súplica de ayuda, y la búsqueda de que alguien se apiade de su condición. Todas esas emociones son vistas en unos ojos y una cara que carecen de cejas, las cuales son los rasgos que más reflejan los sentimientos en los humanos.

El niño está protegido por una manta y por la mano de su madre, quien intenta aislarlo del frio, dicha mano muestra tanto su protección como su cariño hacia el pequeño, “Los que aparecen en las obras de este periodo fueron estudiados por el durante algunas visitas al hospital de mujeres Saint-Lazare de Paris. Mujeres abandonadas en la soledad de la dolencia, prostitutas con la sífilis que abrazan a sus hijos enfermos, aparecen envueltas y envuelven a sus criaturas, en un manto que semeja y desolación.” (Esteban, 2006, p 96 )

Así vemos el cambio de Picasso a una época más cálida, no obstante, mantiene sus temáticas tristes, pero este cuadro es solo la transición, más tarde sus temas se referirán a los saltimbanquis y estarán pintados con una paleta aún más cálida.

BIBLIOGRAFÍA

Paloma Esteban  . Los grandes genios del arte contemporáneo: Picasso, 1881-1914.(2006) Madrid. Biblioteca El Mundo.

Elke Linda Buchholz, Beate Zimmermann . Pablo Picasso: vida y obras. (2000) Colonia. Ulmmann.

Ingo F Walther (2006), Picasso. Koln. Taschen Benedik.

FUENTES ONLINE.

Museo Picasso Barcelona. Colección. Desamparados. Consultado el 26/ 03/ 2017. En

http://www.bcn.cat/museupicasso/es/coleccion/mpb4-269.html

Joan Miró, "Figura tirando una piedra a un pájaro"

Miró nació en 1893, en Barcelona,  y falleció en 1983, en Palma de Mayorca. Su vida  como artista estuvo llena de cambios, pues pasa por muchos estilos antes de encontrar el suyo propio, especialmente en el surrealismo. Por eso he decidido comentar el cuadro "Figura arrojando una piedra a un ave".

El cuadro es un óleo sobre lienzo (73,7 × 92,1) y actualmente se encuentra en el  museo de arte moderno de Nueva York, corresponde a la época surrealista de Miró, el cuedron ffue realizado en 1926.

En el cuadro los protagonistas son un pájaro y una figura que, aunque distorsionada,  parece humana, pues vemos un pie, un torso, un brazo, una cabeza y un ojo. La figura del pájaro está muy esencialidad y sin embargo se aprecia muy bien que es un pájaro,  incluso tiene una cresta parecida a la de un gallo. Además hay una línea discontinua que conecta las dos figuras, dicha línea es la trayectoria de la piedra procedente del brazo de la figura humanoide. " El movimiento del brazo y de la trayectoria se han convertido en dos ejes oblicuos que se entrecruzan" (Combalía,2002, p 74)

El fondo del cuadro es muy peculiar, pues podemos ver que el suelo parece una especie de superficie lunar, pero, si tenemos en cuenta ese fondo negro , recuerda más a una playa, cuyo horizonte delimita el mar negro con el cielo verde. El color del mar y el cielo parece decirnos que se trata de un día oscuro o tormentoso. Hay un elemento a destacar , y es esa especie de cúspide o montaña que esta manchada de lo que parece ser sangre.

En conjunto podemos ver que la acción de la figura es realmente tan monstruosa como su aspecto,  Miró pinta al humano como a un monstruo salido de las pesadillas de un niño, y su color blanco como el de un fantasma. Vemos que las alas del pájaro indican el retroceso del animal al ver la piedra acercándose, "Las líneas indican el movimiento del brazo, la trayectoria de la piedra y el susto del animal, facilitando la comprensión de la imagen." (Mink 2013, p 46).

 La pintura en su totalidad nos muestra lo retorcido que puede llegar a ser la humanidad, representando la así  como esa pesadilla que ataca a un animal indefenso.

Bibliografía

Victoria Combalía. Picasso – Miró. Miradas cruzadas.(1998) Madrid. Electa.

Jan's Mink  Miró, Koln , (2013) Editorial: taschen Benedikt, 

V.V.A.A. Los cuadernos catalanes. Joan Miró .Generalitat Valenciana. (2002) Valencia,   Colección de arquilectura .

Fuentes online

Museum of modern arts. Joan Miró. Person Throwing a Stone at a Bird. Consulta 25 /03 /2017. https://www.moma.org/collection/works/79341?locale=es