lunes, 22 de mayo de 2017

Antonio Gaudí "La casa Batlló"

Observamos la casa Batlló, obra de Gaudí y uno de los lugares más famosos de Barcelona. Gaudí nació en 1852 en Reus y murió por un desafortunado accidente en 1926, en la ciudad donde habían nacido sus obras, Barcelona.

Al pertenecer a siglo XIX se ve influenciado por el modernismo, la corriente artística que fluía entonces, llevándolo a España como modernismo catalán, usando influencias del estilo mudéjar principalmente y con la característica principal de conseguir que la arquitectura tuviera algo que no se concebía antes: el dinamismo.

La casa Batlló es un edificio que parece estar sumergido en el mar, por el dinamismo que presenta, parecido al de las olas, y por la distorsión de colores, pues “El degradado azul del acabado permite que la luz se reparta uniformemente” (Montes, 2003, p.14)

Gaudí dedico mucho en este edificio, “El propio arquitecto decidía, desde la calle, la posición optima de estas piezas, para que resaltaran y brillaran con fuerza” (VV.AA. 2003, p. 47)

En ella apreciamos como está presente la influencia de la naturaleza que recibió en Redox, observando los árboles, las plantas y el agua. Pues él decía:” para ser original hay que volver al origen”, hay que volver al principio de todo, a donde surgió la vida para poder crear.

El edificio está repleto de ventanas, pero difieren entre ellas, pues las del piso de abajo muestran la apreciación de la época por las líneas curvas, sin embargo, son otro relejo de la conexión que tenía Gaudí con la naturaleza. Si nos fijamos aparecen los caparazones de las tortugas marinas. En cambio, las de los pisos superiores son más rectas, dicha diferencia nos da a entender la separación entre la tierra y el mar, “La sensibilidad compositiva se aprecia ya desde el exterior, que se cubrió con piedras de marés y cristal en las primeras plantas” (Cuito, 2003, p. 39)

Según vamos subiendo apreciamos que los bacones de la zona superior tienen forma de calavera y las barandillas tienen forma de huesos, lo que nos da otra vez, a conocer el lugar de la naturaleza en su mente, pero no se distinguen si son de animales o de personas.

 Si continuamos ascendiendo vemos más líneas curvas y ondulaciones lo que recuerda al dinamismo del viento. También vemos la religiosidad de Gaudí representada encima de la cúspide y como la concebía, que Dios estaba en la naturaleza.

En el tejado vemos la influencia del estilo mudéjar, sobretodo en la torre, algo destacable porque en Barcelona ese estilo no es común, ahí vemos que se informó mucho de otros estilos decorativos para enriquecer sus obras.

Aunque no es muy apreciable sí que vemos que el pequeño arco que esta en el tejado muestra signos de un arco catenario, característico de Gaudí pues su curva es alargada y no tan recta como el arco tradicional de medio punto.

En general todo el diseño del edificio gira entorno a el arte decorativo del modernismo acompañado de iconografía inspirada en la naturaleza, pero lo que distingue a Gaudí de otras es como consigue unir todas esas características en un edificio y darle vida con el dinamismo de la línea curva.




Bibliografía.
VV. AA, Casa Batlló: Gaudí, España, (2006), Triangle Postals.

Cuito Aurora, Montes Cristina, Gaudí, toda su arquitectura. Palma de Mallorca. (2003). A. Asppan S.L.

VV. AA, Antoni Gaudi, España, 2003, A. Asppan S.L.

Jaume Plensa "La fuente Crown"

Plenza nace en Barcelona en 1955, donde estudia en la Llotja, al igual que Gaudi. Al terminar sus estudios, viajó a Paris, donde comenzó a dar clases de Bellas Artes y cooperó con el colegio del Instituto de Artes de Chicago. A lo largo de su vida ha viajado mucho a Bruselas, Estados Unidos, Francia, Alemania e Inglaterra

Ha recibido muchos premios en su vida, entre ellos el Premio de Artes Gráficas Velázquez en el año 2013.

Sus primeros años no fue reconocido y tampoco poseía un tipo de arte especifico. Pero a partir de los años 90, comienza a desarrollar su propio arte conceptual, y desarrolla arte con un elemento que lo hace aún más poético: las letras.

Su arte conceptual no se basa solo en las letras, también es el sonido, pues en sus listalaciones se parece un poco a Juan Muñoz, él pretende que el espectador pueda experimentar de otra forma el arte.

Durante su etapa poética, a partir del año 2000, realiza la obra a analizar: “La fuente Crown”, dicha fuente fue un encargo de la familia Crown.

Plensa construyó dos torres conectadas por un estanque, echas de vidrio y hormigón de un diseño muy ingenioso, pues  se  las arregló para que se pudiera reproducir un video a la vez que corría el agua, “Cuando el tiempo lo permite, básicamente entre mayo y octubre, funciona el juego de agua hacia las dos torres para luego volver a la fuente, combinando el chorro de agua con los videos que se están proyectando en cada momento” (Cousido, 2013, p. 35)

Además de eso consigue lo siguiente: “Dos grandes chorros de agua en dos torres enfrentadas sobre las que se suceden rostros de habitantes de la ciudad intercalados por imágenes de agua natural constituyen el punto de encuentro de residentes y foráneos de todo tipo de etnias, diferente poder adquisitivo e ideologías irreconciliables” (Fernández, 2013, p. 41)

Plensa pretendía, con mucha ternura, hacer un monumento que intente hacer sonreír. No quería que fuese un monumento para admirar, sino algo que la gente pudiera disfrutar.  Él decía: “El mejor regalo es poner una sonrisa”(Plensa, 2014, 9´0”)






Bibliografía
Cousido Pablo, Chicago Illinois, España, (2013). Lulu.com
Fernández Quesada Blanca, Lorente Jesús Pedro, Arte en el espacio público: barrios artísticos y revitalización urbana, España,  (2013). Editorial: Prensas de la Universidad de Zaragoza.

Jaume Plensa. Bibliography. Short story. 22/05 /2017 http://jaumeplensa.com/index.php/biography/short-biography


miércoles, 17 de mayo de 2017

Juan Muñoz "Mirando fijamente al mar"

Nace en Madrid en el año 1953 y muere en Ibiza en el 2001, una gran tragedia ya que era un artista independiente que daba paso a una nueva forma de ver el arte. Su gran amor y compañera es Cristina Iglesias, fue la que, después de muerto, supervisó y cuidó de sus exposiciones.

Era una persona que se interesaba en varios campos: en la televisión, la radio y la magia. Todo ello va influyendo en su vida de tal forma que se refleja en sus obras.  Además, se influenció del cineasta Rober Breson, Giacometi, Rober Morris y Newman.

La forma de presentar sus obras es una de las características principales de Juan Muñoz, quiere que el espectador sea también participante, que entre en la sala y se pasee por ella mirando todas las perspectivas posibles, toda la interpretación posible con la obra.

 Sus obras son narrativas, intentan contar una historia, un significado, una verdad o una crítica, el reto es como transmitirla. Sus esculturas están hechas de diversos materiales, pero para las personas suele usar gomas. Y con gran maestría y realismo nos hace creer que sus esculturas están vivas, “este presentimiento con respecto a algo que tendría que moverse esta diseminado en la obra de Juan Muñoz.” (Castro, 2005,  p 10)

La obra a analizar es “Mirando fijamente a el mar”, en la sala donde se expone observamos a dos figuras, una apoyada en la otra, ambas intentando mirarse en un espejo mediano, lo curioso es que llevan unas máscaras hechas de cartón.

En Retrospectiva, hablando sobre esta escultura dijo: “En ocasiones, mis personajes e comportan como un espejo que no puede reflejar. Están ahí para decirnos algo sobre nuestra mirada, pero no pueden hacerlo ya que no nos permiten vernos a nosotros mismos” (Muñoz, 2009, p.5)

El realismo de las estatuas es increíble, pero el hecho de que Juan Muñoz oculte sus rostros podría tener un significado. La obra podría tratar de la falsedad del ser humano, de cómo intentamos poner una capa externa cutre que todos los demás puedan ver y que nosotros también la veamos al mirarnos al espejo, sin embargo, el reflejo parece sorprenderles, como si descubriesen en lo que se han convertido.

Esto nos hace reflexionar y pensar seriamente en cómo nos perciben y como somos de verdad, Juan Muñoz pretende que nos aislemos del tiempo y pensemos e interioricemos, “Para mí las mejores esculturas parecen dilatarse en el tiempo” (Muñoz. 1996. p.155)




Bibliografía

Fernando Castro Flórez, El espacio inquietante del hombre: el lugar del ventrílocuo, unas conversaciones con Juan Muñoz. (2005). Madrid. Cendeac

James Lingwood Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Juan muñoz, monólogos y diálogos. (1996). Madrid. Ministerio de cultura y educación.

Fuentes web.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Juan Muñoz: Retrospectiva. 17/ 05/ 2017.

martes, 16 de mayo de 2017

Reseña de "La Banda Picasso"

La banda picasso

París, 1911. La Gioconda desaparece del Louvre. Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire son detenidos. Pablo recuerda que Guillaume le había presentado a un atlético joven llamado “el Barón” que, al enterarse de su fascinación por unas estatuas ibéricas, decide robarlas del Louvre y vendérselas a un precio ridículo. Aquellas estatuas fueron cuatro años antes la inspiración del primer cuadro cubista, “Las señoritas de Avignon”. Pablo es español, Guillaume polaco, el Barón, belga. Y la prensa habla de una banda internacional llegada a Francia para desvalijar los museos. Historia basada en un hecho real. (FILMAFFINITY)


La historia mezcla comedia y drama histórico, pero sobre todo nos invita a dar una paso atrás en el tiempo y a ver como fue el hecho de que  Picasso presentara "Las señoritas de Avignon" a sus amigos y contemporáneos.


Muchas partes de la película son ficticias claro esta, sin embargo no deja de ser magistral el revivir a personajes como Apollinaire, o Gertrude Stein, o incluso Matisse. No deja de ser ficción los rasgos de mucos personajes pero tambien se esconde algo de verdad.


Esta película fue ganadora de dos Goyas, uno al mejor vestuario y otro a la mejor canción, relacionada con la desaparición de la Gioconda. 


Dirigida y escrita por Fernando Colomo, ha demostrado ser otra gran pelicula que se acerca mucho a la imagen en nuestra cabeza de los tiempos de Picasso. 



Bibliografía:


IMDB, La banda Picasso, 16/05/2017 http://www.imdb.com/title/tt2102355/






lunes, 15 de mayo de 2017

Jorge Oteiza "Los apóstoles"

Nace en 1908 en Orio, en el País Vasco y fallece en el año 2003 en San Sebastián. Oteiza no solo era artista, también era cineasta, antropólogo, filósofo y poeta, una persona muy culta que empezó la carrera de medicina, dicha formación le ayudó mucho, aunque también se le conoce por su gran carácter.

Más tarde abandona medicina y viaja a Sudamérica donde comenzara a dar clases de escultura, allí descubre la escultura precolombina y queda fascinado por ella.

A partir de 1948 su arte evoluciona hacia una escultura más abstracta, pero sin alejarse mucho de la figuración en lo que se refiere a personas, hasta el año 1958 en el que su arte evoluciona a un nivel aún más abstracto.

Al igual que Chillida, el elemento protagonista en sus obras es el vacío, Chillida afirmaba que hay que vaciarse a uno mismo de ego para que puedan entrar cosas nuevas, por lo tanto, es un elemento a destacar en la obra de análisis, “Los apóstoles”.

En 1950 le encargan a Oteiza las esculturas del santuario de Aránzazu, junto con otros artistas modernos. “El santuario ha sido custodiado desde 1503 por la orden franciscana y un centro de peregrinación regional” (Martínez. 2011. p.140), el lugar está escondido entre las montañas, el cual inspiró mucho a Oteiza.

Es interesante pensar por qué Oteiza esculpió catorce apóstoles cuando eran doce, personalmente quizá para que fueran pares, o para incluir a María Magdalena y a otro discípulo.

Las esculturas son muy parecidas a “El koreano”, están huecas por dentro, ahí vemos el protagonista de las obras de Oteiza, el vacío, él mismo Oteiza dijo: “son como animales sagrados abiertos en canal”, si damos un paso más allá, podemos pensar que habla de la pureza de los apóstoles, de cómo se vaciaron de mal y se dedicaron a seguir a Jesucristo.


También si nos ijamos las estatuas parecen estar bailando, celebrando que Jesucristo ha resucitado, y no sólo eso, parecen que siguen un movimiento como si se tratase de una animación, el movimiento lo comienza uno y lo completa el siguiente. Además, “La cabeza del noveno apóstol, que funciona como un retrato de Iñaso Sarasúa, patrón de la trainera de Orio, carece de ojos, puesto que el artista entiende que en la oración se cierran los ojos y se borra el rostro.” (Oteiza, 2003 p. 110).

Oteiza es capaz de dar más datos y reflexión en unas estatuas no tan detallas y creo que solo por eso debería ser más estudiado. José Luis L. Aranguren escribió: “El arte abstracto parece en teoría especialmente dotado para acercarse plásticamente al Dios desconocido.” (Muñoa, 2009, p.118)



Bibliografía
Soledad Álvarez, Oteiza: pasión y razón, (2003) España. Editorial Nerea.

Pilar Muñoa, Oteiza: la vida como experimento, (2009) España. Alberdania

Carlos Martínez Gorriaran, Oteiza: el hacedor del vacío, (2011), Madrid. Editorial Marcial Pons.

Eduardo Chillida "Elogio del Horizonte"

Eduardo Chillida ,nace el 10 de enero de 1924 en san Sebastián y muere allí en el 2002. Mostró un gran interés por la arquitectura, y realiza una serie de viajes a París y a Grecia, en Grecia realiza un descubrimiento:” que su luz, la del Atlántico, es una luz oscura” (Lodrá, 2006, p18)

Se le reconoce por ser el arquitecto del vacío. El vacío es el protagonista de sus obras, para él debes de dejar tu interior libre de ego para que puedan entrar otras cosas.Para Chillida el vacío es un misterio, y el mismo misterio que esta presente en todas sus obras. Un concepto que él intenta materializar, algo muy difícil pero no es el primero en hacerlo, Gargallo fue su predecesor junto con Julio González.

El elemento más destacable de Chillida, aparte del vacío, son las tres mandíbulas, él siempre decía “Hacen falta tres mandíbulas para manejarse y comer el espacio.” (Chillida, 2002, p.19)

La obra objeto de análisis es Elogio del horizonte. Se instaló en Gijón en 1990, tiene una altura de 100 metros y pesa 500 toneladas, pues está compuesto de  hormigón armado, siendo el hormigón uno de los materiales a los que más recurre Chillida, sobretodo a partir de 1970.

El Elogio del horizonte mantiene los elementos principales de Chillida, en él podemos ver la curvatura de las tres mandíbulas en el “techo” y el vacío. La obra nos recuerda más bien a un pilar vacío, pero por su forma podemos ver que se trata de un monumento que pretende que rebote el sonido del mar y aquellos que se encuentren en su interior puedan oírlo rebotando por todas partes como si se tratase de una caracola que se recoge al pasear por la playa.

También con ver los elogios que hace Chillida, como “El peine del viento”, son elogios a la naturaleza, al mar que le había visto forjarse, a aves de sus obras podemos comprobar que se tratan de canales a conceptos que no podemos materializar, como el horizonte, el viento, la luz, el sonido, o el vacío.





Bibliografía
VV.AA, CH & T: Chillida y Tápies en la colección de telefónica, (2002) Fundación Telefonica.

Joan Miquel Lodrá .Los grandes genios del arte contemporáneo siglo XX: Eduardo Chillida, (2006) Biblioteca El Mundo.

VV.AA Elogio del horizonte: conversaciones con Eduardo Chillida, (2003) Editorial Destino.
Ayuntamiento de Gijón, El elogio del horizonte, 11/5/2017
https://www.gijon.es/directorios/show/574-elogio-del-horizonte

martes, 9 de mayo de 2017

lunes, 8 de mayo de 2017

Fernando Zóbel "Alcalá"

Zóbel nace en Filipinas en 1924 y muere en Roma en 1984. En 1942 parte  a Madrid a estudiar en el colegio El pilar.  "Aunque era ciudadano español,  sus padres representaban cada uno a su manera, dos vertientes que tuvieron que encarar las familias coloniales españolas". (vv.aa. 2003 p.84)  



Al igual que Tapes,  sufre de una enfermedad respiratoria pero ,además, de una enfermedad en la columna, eso le obliga a estar un año entero en cama. Esta desgracia hace que potencie sus habilidades artísticas. 


Entre 1955 y 1963 , antes de abrir su museo de las casas colgantes, en Cuenca, comienza con una de sus series más famosas, las saetas. En  esta ocasión hablaré sobre "Alcalá". La obra es un cuadro de dimensiones 97 X 130 cm.


Los materiales del cuadro reflejan la influenza japonesa y China que le aportaron sus viajes a oriente, pues usaba una jeringuilla cargada de tinta la cual presionaba para que se produjese un disparo rápido e improvisado, definiendo así sus pinturas. With pencil or brush or pen. Sharp and fine, thick and blurred, straight or curved, but essencially line. Line that is calligraphic.” (Zóbel. 2006)


Parece un trazo mal hecho, sin embargo se trata de la ciudad de Alcalá,  de hecho parece que se trata de una espiga de trigo, típica del paisaje de la ciudad. Pero si quitamos el nombre podemos pensar que se trata de algo ligero, como una pluma o algo espinoso, como el tallo o la hoja de una rosa.


Al comprobar la cantidad de cosas que puede ser sin siquiera mencionar el título vemos que el ingenio de Zóbel no se basa en exponernos lo que él ve en el espacio, sino lo que nosotros podemos ver en él.


Este es un arte que no se puede concebir juzgando la forma o el trabajo del artista sino percibiendo las posibilidades.




Bibliogafía:
vv.aa. Zóbel. 2003.Museo Nacional de Arte Reina Sofía. 4/5/2017
Fernando Zóbel. Sckechbooks. 2006. La Universidad de Michigan. 4/5/2017
Fundación Juan March. 8/5/2017 Fernando Zóbel.


lunes, 1 de mayo de 2017

Antoni Tápies "Personaje"

Antoni tapies nació en Barcelona en el año 1923. Su familia era culta y catalanista de ideología liberal que despierta en él un amor por los libros y la lectura

Según la Fundació Antoni Tápies “Esta predisposición se ve acentuada por la larga convalecencia de una enfermedad pulmonar, durante la cual inicia sus tanteos artísticos. Progresivamente Tàpies se dedica con mayor intensidad al dibujo y la pintura, y acaba dejando sus estudios de Derecho para dedicarse plenamente a su pasión. En la década de los cuarenta ya expone sus obras, que destacan en la panorámica artística del momento.”

“Las obras de 1949 serán las que introduzcan algunos cambios desde un punto de vista estilístico” (Miranda. 2006. p.28), Tápies comienza a usar el surrealismo, igual que Dalí, plasma en sus lienzos lo que sueña. Según  “Desarrolla una temática magística[…] ofrece analogías con dos órdenes de motivos: los del arte fantástico reciente, tal cual fuera cultivado por Paul Klee o Miro, y los del pensamiento fabuloso de la tradición universal.” ( Cirlot,1996)


 Se trata de un dibujo sobre papel, para dicho dibujo empleó lápiz, tinta y acuarela. En este caso lo curioso de los materiales es que dependiendo de la cantidad de agua pueden dar un efecto de difusión, como si de un sueño se tratase, sin preocupación por los detalles como puede darse en el óleo.

Personaje tiene la gama de colores típica de Tapies, formada por negro, rojo y colores cálidos. Siempre el rojo recordando a la sangre, la sangre de los fallecidos en la guerra civil española. Esta gama de colores da la sensación de que algo se quema, como si se tratase del infierno, pero si no exageramos tanto puede ser simplemente la luz del interior de una casa después del anochecer.

El personaje principal de la obra es el propio Tapies, que permanece en un lateral de la imagen con la apariencia de un demonio, sugiriendo con la mano, que nos acerquemos a él, pero la imagen de Tápies ahí es una estrategia visual para que conduzcamos nuestras miradas a las dos flechas rojas que atraviesan el cuadro para señalar dos gotas o llamas rojas que permanecen, una en el aire y otra en el plato. La más grande podría ser la lumbre, pero la más pequeña puede sugerir que lo que come es lo que le da calor y vida, la llama de la vida, la cual no se apaga si comes.

Tapies muestra también en este cuadro sus influencias del expresionismo alemán, provocado también por la guerra, y las hambrunas de posguerra que pasó España.

Bibliograia:
Fuentes de Libros

Sandra Miranda. Los grandes genios del arte contemporáneo siglo XX. Tápies.(2006), Biblioteca El Mundo.


Juan- Eduardo Cirlot. Tápies. (1999) ,Omega.

Fuentes online:
Fundació Tápies. Antoni Tápies. 1/ 05 / 2017. https://www.fundaciotapies.org/site/spip.php?rubrique2
Museo Reina Sofia. Colección. Antoni Tápies. Personaje. 1/ 05/ 2017. http://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/personatge-personaje




lunes, 27 de marzo de 2017

Julio Gonzalez "Dafne"

Julio González, el que pinta en el aire con hierro, se podría decir que la influencia que recibió de Picasso le impulso a llevar el cubismo a una nueva forma, en tres dimensiones, posibilitando que pueda ser admirada desde varios ángulos.

Usaba el hierro para sus esculturas un material difícil de moldear si lo comparamos con la arcilla, pero también usado por otros artistas como Gaudi.  “El material moderno al que recurrió González es el hierro, a restos de chatarra inespecíficos, restos industriales, que debidamente trabajados y ensamblados muestran un aspecto inédito e insospechadas a su escultura.” (Maderuelo, 2012, p 71)

La obra que me gustaría comentar es “Dafne”, una referencia a la antigua escultura clásica de Bernini “Apolo y Dafne”. La historia cuenta que Apolo se enamoró locamente de la ninfa Dafne, y esta debido a una flecha de rechazo de Cupido echó a correr, ella suplico a Zeus que la ayudase, Zeus se apiadó de ella y la convirtió en un árbol de laurel.

En esta obra vemos como Julio González plasma la figura de Dafne inclinada como en la obra de Bernini, pues recrea el momento en el que pasa de ser una mujer a un árbol.
Podemos ver como sus piernas se convierten en un tronco robusto, y como sus manos y dedos se empiezan a extender como si fuesen ramas que alaban a Zeus por apiadarse de ella, haciendo que las manos sean objeto principal de observación pues es donde mejor se aprecia la transformación.

La cabeza está en la parte superior, representado como un circulo y el pelo por separado simulando que el viento lo hondea, al parecer, tanto la cabeza como el pelo se están transformando en ramas, algo que difiere de lo que vemos en la obra de Bernini, quien lo representa de una forma más bella, pero como ya se suponer, los artistas del siglo XX no pretenden mostrar algo bonito, sino algo sincero.

La rigidez que presenta la figura con unos vértices cubistas tan pronunciados nos recuerda a la rigidez de un árbol. Este es el reto de Julio González, no solo esculpir una figura en hierro, sino que con su forma nos dé una idea de su textura o su significado



Bibliografía
Javier Maderuelo,  Caminos de la escultura contemporánea(2012) Ediciones universidad de Salamanca.
VV.AA, Mitología dioses héroes y leyendas, (2006) Santander ,editorial Libsa

Fuentes online

museo reina sofia, colección, Julio González, Dafne. Fecha de consulta 27/ 3/ 2017.  http://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/daphne-dafne

domingo, 26 de marzo de 2017

Salvador Dalí "La persistencia de la memoria"

Salvador Dalí es el máximo representante de la pintura surrealista en España. Nace en Figueres, Girona, su padre era notario y su hermana, Ana María fue la modelo de sus primeras obras. Al ver el talento de su hijo en la pintura, su padre le matricula en la Escuela de Bellas Artes de Madrid. Mientras estudia le irán influyendo figuras como Luis Buñuel y Federico García Lorca, su inicio en el surrealismo.

La obra que quiero comentar es probablemente de las más conocidas de Dalí, “La persistencia de la memoria”. Fue pintado en 1931, es un óleo sobre lienzo de tamaño 24,1 x 33 cm, actualmente se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Formalmente, observamos que los protagonistas del cuadro son los relojes, los tres formando un triángulo, los cuales parecen estar derretidos ,“Dalí tuvo la idea de pintarlos después de comer  un queso camembert que se fundía y de reflexionar sobre la memoria y el paso del tiempo” (VV.AA Catalogo de la exposición. La Caixa .2004. p).

Los relojes están dispersos, uno encima de una rama, como si se trata se de una manta puesta a tender; el segundo esta encima de la mesa, con una mosca encima, tal vez en el que se refleja el queso camembert que Dalí comió; y , el tercero esta encima de una criatura con forma de cara aunque desfigurada.

Según el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la criatura que se encuentra en el centro de la imagen es el propio Dali de perfil, pero con un aspecto parecido al de un caracol, pues de su nariz sale una especie de lengua que parece una babosa grande.

En cuanto al título, si miro hace alusión a la memoria en un cuadro donde los elementos principales son los relojes, “La memoria persiste contra la marcha de las agujas del reloj” (Perez. 2003, p 157), con esto nos dice que  nuestra capacidad para recordar supera incluso al tiempo, un recuerdo va más allá y perdura en nuestra mente ilimitadamente.

Según E. H. Gombrich,(1997, p 594) Dalí no intenta representar las imágenes tal y como las vemos, como muchos de sus contemporáneos, busca su propia forma de mirar, representando en este cuadro una reflexión, no quiere que digamos “que bonito”, quiere que nos sentemos a buscar su enigma, el mismo enigma de un sueño o un pensamiento.




bibliografia
Javier Perez Andujar . Salvador Dalí: a la conquista de lo irracional. (2003) Madrid, Aldaga.

E.H. Gombrich.  La Historia del arte(1997),España,  Phaidon.

Dalí 1904 – 2004 (2004), Madrid, Catalogo de la exposición. La Caixa.

Fuentes Online

 Museum of modern arts .Collection: The persistence of the memory. Consultado el 26 /3 /2017, https://www.moma.org/collection/works/79018?locale=es

Fundación Gala. Dalí. Biografía. Consultado  26/ 03/ 2017.

Pablo Ruiz Picasso, "Mujer con Niño enfermo"

Picasso es uno de los artistas contemporáneos más reconocidos de España y del mundo, en España su obra más conocida es el Guernica, pero piense que hay una época de la que no se habla mucho, la época rosa.

A partir de 1904 se produjo varios cambios en la vida de Picasso,  en sus cuadro empezó a notarse una gama de colores más cálida, pero suave, esto es lo que se conoce como época rosa, " en los cuadros de Picasso empezaron a aparecer nuevos tonos cromáticos, un Rosa suave, tonos rojos cálidos y otros colores claros" (Buchholz ,2000, p 27).

Picasso pinta “Madre con niño enfermo” o “Desamparados” (Según el Museo Picasso de Barcelona) en 1903, está pintado con la técnica pastel sobre papel. El cuadro mide 47,5 x 41 cm y se encuentra en el Museo Picasso, en Barcelona. Por el año , los colores y el tema, deduzco que es la transición de la época azul a la época rosa.

La madre y el niño son las figuras principales, “Si se piensa bien, hay muy pocos temas. Y estos se repiten constantemente. De Venus a Cupido se hacen la Virgen y el Niño, de la Vergel y el Niño, se hacen de la madre y el hijo." -Picasso.  (Walter,2006 p 20). 
La madre mantiene una mirada con el espectador, dicha mirada está cargada de sentimiento pues sus ojos relejan su impotencia para curar a su hijo, la súplica de ayuda, y la búsqueda de que alguien se apiade de su condición. Todas esas emociones son vistas en unos ojos y una cara que carecen de cejas, las cuales son los rasgos que más reflejan los sentimientos en los humanos.

El niño está protegido por una manta y por la mano de su madre, quien intenta aislarlo del frio, dicha mano muestra tanto su protección como su cariño hacia el pequeño, “Los que aparecen en las obras de este periodo fueron estudiados por el durante algunas visitas al hospital de mujeres Saint-Lazare de Paris. Mujeres abandonadas en la soledad de la dolencia, prostitutas con la sífilis que abrazan a sus hijos enfermos, aparecen envueltas y envuelven a sus criaturas, en un manto que semeja y desolación.” (Esteban, 2006, p 96 )

Así vemos el cambio de Picasso a una época más cálida, no obstante, mantiene sus temáticas tristes, pero este cuadro es solo la transición, más tarde sus temas se referirán a los saltimbanquis y estarán pintados con una paleta aún más cálida.


BIBLIOGRAFÍA
Paloma Esteban  . Los grandes genios del arte contemporáneo: Picasso, 1881-1914.(2006) Madrid. Biblioteca El Mundo.

Elke Linda Buchholz, Beate Zimmermann . Pablo Picasso: vida y obras(2000) Colonia. Ulmmann.

Ingo F Walther (2006), Picasso. Koln. Taschen Benedik.

FUENTES ONLINE.
Museo Picasso Barcelona. Colección. Desamparados. Consultado el 26/ 03/ 2017. En

sábado, 25 de marzo de 2017

Joan Miró, "Figura tirando una piedra a un pájaro"

Miró nació en 1893, en Barcelona,  y falleció en 1983, en Palma de Mayorca. Su vida  como artista estuvo llena de cambios, pues pasa por muchos estilos antes de encontrar el suyo propio, especialmente en el surrealismo. Por eso he decidido comentar el cuadro "Figura arrojando una piedra a un ave".

El cuadro es un óleo sobre lienzo (73,7 × 92,1) y actualmente se encuentra en el  museo de arte moderno de Nueva York, corresponde a la época surrealista de Miró, el cuedron ffue realizado en 1926.

En el cuadro los protagonistas son un pájaro y una figura que, aunque distorsionada,  parece humana, pues vemos un pie, un torso, un brazo, una cabeza y un ojo. La figura del pájaro está muy esencialidad y sin embargo se aprecia muy bien que es un pájaro,  incluso tiene una cresta parecida a la de un gallo. Además hay una línea discontinua que conecta las dos figuras, dicha línea es la trayectoria de la piedra procedente del brazo de la figura humanoide. " El movimiento del brazo y de la trayectoria se han convertido en dos ejes oblicuos que se entrecruzan" (Combalía,2002, p 74)

El fondo del cuadro es muy peculiar, pues podemos ver que el suelo parece una especie de superficie lunar, pero, si tenemos en cuenta ese fondo negro , recuerda más a una playa, cuyo horizonte delimita el mar negro con el cielo verde. El color del mar y el cielo parece decirnos que se trata de un día oscuro o tormentoso. Hay un elemento a destacar , y es esa especie de cúspide o montaña que esta manchada de lo que parece ser sangre.

En conjunto podemos ver que la acción de la figura es realmente tan monstruosa como su aspecto,  Miró pinta al humano como a un monstruo salido de las pesadillas de un niño, y su color blanco como el de un fantasma. Vemos que las alas del pájaro indican el retroceso del animal al ver la piedra acercándose, "Las líneas indican el movimiento del brazo, la trayectoria de la piedra y el susto del animal, facilitando la comprensión de la imagen." (Mink 2013, p 46).

 La pintura en su totalidad nos muestra lo retorcido que puede llegar a ser la humanidad, representando la así  como esa pesadilla que ataca a un animal indefenso.


Bibliografía
Victoria Combalía. Picasso – Miró. Miradas cruzadas.(1998) Madrid. Electa.

Jan's Mink  Miró, Koln , (2013) Editorial: taschen Benedikt, 

V.V.A.A. Los cuadernos catalanes. Joan Miró .Generalitat Valenciana. (2002) Valencia,   Colección de arquilectura .

Fuentes online

Museum of modern arts. Joan Miró. Person Throwing a Stone at a Bird. Consulta 25 /03 /2017. https://www.moma.org/collection/works/79341?locale=es